Los Ángeles, 5 de marzo de 2018. Ceremonia de los Oscar en el Dolby Theater.

La actriz Frances McDormand partía como gran favorita para alzarse con la preciada estatuilla dorada por segunda vez en su carrera  gracias a la película de “Tres anuncios a las afueras”. Lo que nadie esperaba es que en pleno movimiento del #Metoo la actriz lanzara un alegato sobre el techo de cristal en posiblemente una de las industrias más crueles con las mujeres, en el cual reclamaba sin pudor a los productores a «invitarlas a sus despachos para ofrecerles trabajo más allá de celebrar sus trabajos con premios».

McDormand nació con el nombre de Cynthia Ann Smith y fue adoptada a los 18 meses de vida por la familia McDormand, un pastor de los discípulos de Cristo, de vida nómada (Hecho importante a la hora de interpretar después su papel en “Nomadland”) pues se dedicada a restaurar congregaciones, donde se crio junto a sus hermanos también adoptados.

Una joven McDormand de temprana vocación artística, tras interpretar a Lady Mcbeth declaraba: «Se volvió cada vez más claro que actuar era la única cosa que sabía hacer»

Tras estudiar Teatro en la universidad y un Máster de Bellas Artes junto a la también actriz Holly Hunter, se trasladaron a Nueva York juntas.

Queremos destacar su temprana pasión y su vocación, así como sus orígenes pues estos forjaron su carácter para poder contextualizar la importancia de su carrera, su profesionalidad, y su poder en la industria del entretenimiento.

Ponemos el foco en la actriz porque se aleja del star system del Hollywood dorado, se aleja de los cánones de belleza que otras adoptan para triunfar, y lo ha conseguido gracias a su talento genuino, además de posicionarse políticamente y socialmente de forma muy clara.

McDormand debuta en el cine con “Sangre fácil” (1984) de los hermanos Coen, gracias a un casting al que llega por su buena amiga Holly Hunter, donde conoció al que es su marido hasta hoy, Joel Coen.

No queremos hacer hincapié en su carrera pero sí en esa defensa de personajes minoritarios y cómo les ha dado voz. Algo que hizo en sus inicios trabajando con un “desconocido” director fuera de los circuitos de festivales y que después de convertirla en el pope de cine social que responde al nombre de Ken Loach. Una actriz que trabaja en Hollywood pero no vive allí, como un manifiesto sobre sus creencias, y que deja entrever su opinión sobre de la meca del cine, y su superficialidad.

La importancia del discurso en el marco del #Metoo

Una voz se alza en medio de la multitud. Una multitud de 22.4 millones de espectadores que tuvo la ceremonia en 2018 frente a los más de 30 millones del año anterior según informes de Nielsen.

Los premios Oscars a pesar de su frivolidad y de mostrar la parte más brillante de la industria, son también en escaparate hacia el que mira el mundo por una noche. La retransmisión del espectáculo contó con 10.4 millones de espectadores en 2021 considerándose una de las peores de la historia, y a pesar de ello las cifras son asombrosas, así que cualquier discurso, cualquier símbolo mostrado (Recordemos a Natalie Portman llevando una túnica bordada con los nombres de las directoras más destacadas de 2019 y que fueron ignoradas en las nominaciones de 2020) es un gesto político.

Como en otras ocasiones en los agradecimientos, la actriz (McDormand) hizo hincapié en las increíbles mujeres con las que compartía nominación y cuyo trabajo había destacado la academia, y entonces ocurrió la magia. No pidió ponerse en pie a las nominadas como mejor actriz ese año, sino a todas las mujeres nominadas en cualquiera de las categorías: peluquería, maquillaje, vestuario, categorías técnicas, sonido, dirección...

Poniendo de manifiesto que existían, y seguían siendo una minoría

Es más, en esa parte del discurso la actriz deja el Oscar en el suelo, para tomar distancia y perspectiva del premio. Le da una palmada en la cabeza, como premio eminentemente masculino (¿La palma, y la concha son los únicos premios femeninos que existen?) y empieza el discurso más militante, de una mujer que ha hecho historia llevándose el Tony, el Emmy y el Oscar.

«Si tuviera el honor de que todas las nominadas, en todas las categorías, se pusieran de pie conmigo. Actrices, directoras, guionistas, diseñadoras, directoras de fotografía, productoras, compositoras. ¡Vamos!, mirad alrededor, señoras y señores, porque todas tenemos historias que contar y proyectos que necesitamos que sean financiados. No nos habléis esta noche en la fiesta, invitadnos a vuestros despachos en un par de días o venid a los nuestros, y os hablaremos de ellos. Tengo dos palabras que dejaros esta noche: cláusula de inclusión»

“Inclusión rider”, esas fueron las palabras claves: una cláusula que regula la integración racial y la igualdad de sexos en el sector audiovisual. McDormand decidió hace unos años dejar de lado aquellos papeles que le ofrecieran en los que el personaje femenino girará en torno a lo que pensara un hombre. Haciendo suyo el concepto que la profesora Stacy L. Smith describió en The Hollywood Reporter sobre la inclusión y la equidad en los equipos artísticos y técnicos en los que ha trabajado.

fueron papeles de reparto, por lo general periféricos al varón protagonista. Ya no los acepto. En el cine digo mucho que no. Es el lujo que me permito por trabajar en el teatro».

La doctora y profesora Smith trabajó en el desarrollo de un lenguaje legal específico, ya que lo que no es nombrado no existe. La idea es que actores de renombre como McDormand, o aquellos que podemos considerar en la “Lista A” de Hollywood es decir, los que son considerados las estrellas de Hollywood mejor pagadas y por ende con más poder en la industria cinematográfica incluyeran una cláusula en sus contratos sobre paridad, en los equipos y que las producciones trataran de mostrar una diversidad cultural más amplia. Con esto no solo harían un buen uso de su poder en el campo entretenimiento sino una labor social y humana de reconocimiento a las minorías.

https://annenberg.usc.edu/faculty/stacy-l-smith

Togayther Viñeta Test de Bechdel (Unas lesbianas de cuidado, Alison Bechdel) | Togayther

La inclusión debe verse tanto en cámara como detrás de la pantalla. Una idea que comulga con la idea de cuota de representación, por lo que las mujeres, las personas de color, las personas con discapacidades y los miembros de la comunidad LGTBI marginadas generalmente en las series y películas deben mostrarse en pantalla en la misma proporción que representan en la población. En su charla TED de 2016, la doctora hacia hincapié en la representación de esta demografía.

Para entender el impacto que tiene esta discriminación y como se ha representado en la industria audiovisual (Hablamos de cine, literatura, cómics...) debemos retrotraernos a 1985, donde la artista de cómics estadounidense Alison Bechdel creo una curiosa tira cómica dentro de la serie “Unas Lesbianas de cuidado” en la que uno de los personajes afirmaba que (convirtiéndose en las reglas del “Test de Bechdel”) solo veía películas que cumplieran estas tres reglas:

1. Cuente con al menos dos personajes femeninos identificados, es decir, que tengan un nombre.

2. Qué estos personajes dialoguen entre sí.

3. Qué lo hagan sobre algo que no sea el personaje masculino de la acción.

Aunque la propia Allison Bechdel atribuye la autoría a su amiga Liz Wallace, es un concepto que ha llegado hasta nuestros días, y ha sido tomado por el movimiento feminista y el #Metoo como símbolo de preocupación por la paridad en los contenidos.

Incluso plataformas audiovisuales como Filmin (para nosotros de cabecera) optan por realizar listados de películas que cumplan estos requisitos para facilitar la búsqueda a sus espectadores.

La edición número 90 de los Oscars de la Academia no solo premió como actriz a McDormand por “Tres anuncios a las afueras” (paradoja del gran anuncio y escaparate que son los premios ya de por sí frente a una audiencia global que ya hemos comentado, y como se convierte en la mayor relaciones públicas de su propia industria) si no que se caracterizó por el momento crucial en que muchas mujeres comenzaron a alzar la voz fue a los abusos de un productor, Harvey Weinstein. Weinstein unido a Miramax, una de las mayores productoras de cine de los últimos años, se encontraba en el ojo del huracán hasta el punto de tener que disolver la que hasta entonces era una fabrica de ganar estatuillas.

No es baladí que en los Oscars de 2018 llamados “de la diversidad·, que premiaban los mejores trabajos de 2017 ocurrieran en el año siguiente a la llegada a la casa blanca de Donald Trump, y su anuncio por la creación de un muro que separará a Estados Unidos de México.

Es posible que la Academia de las Artes Cinematográficas trate de dar voz a esta diversidad, pero es una respuesta desesperada a lo que está ocurriendo en el mundo. Precisamente fue en 2018 cuando Guillermo del Toro (que protagonizaba uno de los memes mas divertidos al revisar la tarjeta y verse realmente ganador tras el descalabro del año anterior cuando se premio por error “La La Land”) se alzaba con la preciada estatuilla por “La forma del agua” una nueva versión de la Bella y la Bestia, gracias a la que el director mexicano se alzaba con el mayor de los logros entrando así en el triangulo dorado mexicano que forma junto a Iñárritu y Cuarón. Precisamente Del Toro hacia una clara referencia al muro de Trump en el momento en el que en su discurso aclamaba:

«Debemos borrar líneas en la arena cuando el mundo nos está pidiendo que las hagamos más profundas».

La academia marcada desde siempre por la endogamia de sus miembros está siendo forzada a reconocer el trabajo de los que durante años han sido víctimas: mujeres, inmigrantes, negros..

La ceremonia, es muy dada a estos gestos, y realizó en 2018 un video donde precisamente daba las gracias a todas esas voces y abogaba por un Hollywood incluyente e intersecciones que se llamo “New Voces” y fue presentado en la gala por Annabella Sciorra, Salma Hayek y Ashley Judd, tres víctimas de Weinstein.

Acabaron siendo llamados los Oscars de la diversidad ya que se premio el guión de Jordan Peele por “Get Out”, claramente una critica al racismo y la supremacía blanca, el guión de “Call me by your name”, una historia de despertar sexual homosexual, con una clara diferencia de edad entre sus protagonistas, con guión James Ivory, que contaba con 89 años en el momento de la gala, y el premio a “Una mujer fantástica” del chile Sebastian Leilo, donde la actriz protagonista es Transexual, justo el año en el que “Coco” ganaba en película de animación, dando buena cuenta de nuevo que la representación y la diversidad en el cine importa.

Volviendo al discurso de McDormand, la actriz hacía ponerse a todas las mujeres nominadas en pie (Time’s up), y sin necesidad de dar más explicaciones, se enfrentaba a todos esos abusos que habían sufrido las actrices por parte de los productores debido a su inferioridad de condiciones, y su poder en la industria.

«Todas tenemos historias que contar y proyectos que necesitan financiación»

Nos referimos claramente al movimiento #Metoo y concretamente al caso Weinstein. Una realidad que ocurre y va más allá de los abusos y las agresiones sexuales, pero también fue el año en el que el 65% de los presentadores fueron mujeres. Incluso el actor Casey Affleck que debía dar uno de los Oscars como presentador no acudió a la gala, en un primer momento se dijo que por temas de agenda, pero las malas lenguas hablan de que su no asistencia se debía a las acusaciones que se cernían sobre él sobre malos tratos en algunos de los rodajes.

Incluso el propio presentador esa noche, Jimmy Kimmel alabó en discurso de McDormand: «Espero que le den un Emmy por su discurso, ha sido increíble».

Al margen y conocedor de la polemica, el presidente de la academia John Bailey afirmaba: «Estamos en una encrucijada de cambio» en la comida que ofrecía a los nominados el 5 de febrero. «Los cimientos fosilizados de muchos de los peores abusos de Hollywood están siendo arrancados y expulsados. Y la Academia se está reinventando ante los ojos de todos gracias a una mayor conciencia y responsabilidad en la lucha por el equilibrio entre géneros, razas, etnias y religiones»

La presidenta de la asociación, Cristina Andreu, junto a la directora del Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales (ICAA), Beatriz Navas, y la autora del propio informe Sara Cuenca han dado a conocer los resultados del documento. La principal conclusión es que:

«sólo una de cada tres personas que trabajan en este sector son mujeres».

Pero el discurso más cercano al de McDormand fue aquel en el que una lucida y también enfadada Candela Peña recogía su Goya añadiendo: «No me deis premios, dadme trabajo», hablando de la precariedad del sector audiovisual, pues ella misma hacia tres años que no trabajaba.

Imagen con Licencia: Alamy

McDormand de 63 años, y sin maquillar  acudía a su sexta nominación desfilando por la tirana alfombra roja donde los medios de todo el mundo ponen su ojo. La Ceremonia de los premios Oscar ponen punto y final a la carrera de premios. Son el colofón y fiesta final al trabajo de todo un año, dando paso de nuevo a la temporada de festivales que empieza con Cannes y dura más o menos de Marzo a Noviembre.

McDormand es una trabajadora, una proletaria del cine y siempre se ha considerado un poco outsider de la industria, incluso cuando lo de ser outsider no estaba de moda. No nos extraña que este fuera de los cánones de las imposiciones estéticas y de la tiranía de la imagen que parece cernirse sobre las mujeres mayores de 40, en una industria que las condena al ostracismo y la desaparición.

Gracias a la película “Nomadland” la actriz se convertía junto a,Meryl Streep e Ingrid Bergman en la tercer mujer en tener tres Oscars (Solo superadas por Katherine Hepburn con cuatro), y en dar posiblemente uno de los discursos más cortos de la historia de la Academia de las artes cinematográficas: 35 segundos.

«Mi voz no es mi espada. Nuestro trabajo lo es. Y me gusta trabajar»

De nuevo ponía el foco en el trabajo. Trabajo, trabajo, trabajo. Una palabra que la actriz no se ha cansado de repetir, pero sobre todo de demostrar.

Es posible que en esta ocasión no hubiera preparado nada al no creerse favorita (pensamos que lo era Carey Mulligan por “Una joven prometedora”) o qué tal vez, el año de la pandemia, sin duda uno de los más oscuros para la industria tampoco había más que decir, y tan solo dar las gracias por el trabajo.

Sin ella una película como “Nomadland” no hubiera sido posible. La actriz compró los derechos del best seller escrito por la periodista Jessica Bruder, basado en las experiencias de medio centenar de personas que viven como nómadas, al margen del sistema, en pleno siglo XXI. Con sus caravanas recorriendo el país como si nos encontráramos en el lejano Oeste y demostrándonos que otra forma de vivir es posible al margen de este capitalismo imperante. Un ensayo periodístico llevado a la pantalla por la directora Chloe Zhao que nos regala unos wallpapers impresionantes acompañados por la música de Ludovico con un ligero aroma a blanqueamiento de las grandes corporativas como es Amazon (lo que más nos chirría del film pero daría pie a otro ensayo)

Pero volvía a subir al escenario al ser la primera actriz que ganaba un Oscar en el mismo año como productora y actriz en un mismo film  y allí, para estupor de toda la sala y de los millones de tele espectadores de la gala lanzaba un aullido.

El aullido de un lobo, debemos explicar. en honor a Mike Wolf, uno de los técnicos de sonido de la producción que se suicidaba en 2020.

Volvemos a ver a una mujer preocupada por la producción, la industria y el equipo con el que trabaja. Algo que no es habitual.

En esta ocasión la directora Chloe Zhao, recordó a los nómadas con nuevamente dos palabras: «Esperanza y resilencia»

Finalmente , y en su segundo discurso McDormand mandó un mensaje al público en sus casas, y les instaba a salvar una industria en decadencia debido a las plataformas como es la parte “Teathrical” (los estrenos) del cine.

«Id a ver la película en la mayor de las pantallas que encontréis, en una sala oscura, cogeos de las manos y ved alguna de las películas que se han representado aquí esta noche».

¿Qué ha ocurrido en estos 4 años?

Además de una pandemia que ha acelerado el uso de las plataformas, y el cambio digital de las salas ocurrido hace unos años, vemos que los cimientos de la industria audiovisual están cambiando.

Algo esta cambiando y no solo en la academia de cine, sino a nivel mundial. Para empezar Emerald Fennell tomaba Hollywood casi por sorpresa cuando después de interpretar a Camila Parker- Bowles se colaba en las nominaciones a mejor guión con “Una joven prometedora” ganando además al mismísimo Aaron Sorkin, pope de la televisión y showrunner aclamado, sino que además compartía nominación junto a Chloe Zhao como mejor directora. Jamás dos mujeres habían estado nominadas en más de 90 ediciones de los premios, haciendolo además con una película que habla de la venganza abrazando el lema del #metoo resumido en algo tan mundano como “borracha y sola quiero llegar a casa”

Un termino de hecho que sigue siendo “best director” que aunque es correcto, es muy determinante el hecho no tener en uso directresses/directress, que esta aceptado.

En este caso Chloe Zhao ganaba como directora, la segunda en la historia después de que Kathryn Bigelow ganará el Oscar hace 11 años, y añadiendo que Zhao nacida en China (forma parte de una minoría inmigrante), partía como favorita.

Pero lo más interesante es todo lo que está pasando durante 2021, y como todos los grandes premios en los festivales los están ganando mujeres, dando un autentico giro a todo lo que hemos visto en la industria del cine en los últimos 100 años.

Hablemos del caso Español, cuando José Luis Rebordinos director del festival de cine de San Sebastián el único de Clase A en España y que puede equipararse a Cannes y Venecia, decidía para sorpresa de muchos eliminar la diferenciación entre mejor actor y actriz en los premios, el festival de cine de Huelva se unió siguiendo la estela del festival de Berlin.

La polémica de la decisión ha surgido debido a que si es un medio de inclusión para personas inter género o transexuales, acaba reduciendo los premios a una categoría que puede ser igual de perjudicial. La expectación sobre la decisión del jurado en esta primera edición de los premios del festival de cine de San Sebastián era lógica, y acabó saldándose con la salomónica decisión de premiar a mejor interprete de reparto a todos los jóvenes de “¿Quién lo impide”, la película de Jonas Trueba y dando un ex- equo en interprete principal a Flora Ofelia por “As in heaven” y a Jessica Chastain por “Los ojos de Tammy Faye”, por lo que consideramos que no se mojaron realmente.

La presidenta del jurado de apellido imposible Dea kulumbegashvili, ganadora del año pasado como mejor directora de la Concha de plata, daba el premio en la dirección precisamente a otra mujer: Tea Linderburg por “As in heaven”.

Esto solo era el colofón del año de ganadoras a nivel europeo en los grandes festivales. Para “El periódico”, la compañera y amiga Beatriz Martinez especializada en perspectiva de género y crítica de cine nos habla de la suerte de cara a las niñas o mujeres jóvenes de hoy en día que busquen referentes en el mundo audiovisual, en un año de especial bonanza en premos: Julia Ducournau ganó como mejor directora en Cannes (y su película “Titane” será la enviada a los Oscars por Francia en la categoría de “Mejor película extranjera”) y Audrey Diwan (Miembro del jurado este año en San Sebastian) fue premiada en Venecia como mejor directora junto a Jane Campion que obtenía el premio del jurado.

«Yo denuncio a toda la gente que ignora la otra mitad»

ANEXO 

DISCURSO 2018 

https://youtu.be/VKujSw4HjuY

”Estas dos personas fueron criadas por madres feministas. Se valoran a sí mismos, valoran a los demás y a los que nos rodean. Sé que estáis orgullosos de mí, y eso me llena de alegría”

"Tener a todas estas candidatas femeninas de cada categoría”

"Meryl, si tú lo haces todas las demás lo harán. ¡Vamos! Cineastas, productoras, directoras, guionistas, fotógrafas, compositoras, escritoras, diseñadoras. ¡Vamos!", gritó, antes de que todas las mujeres se levantaran de sus butacas.”

BIBLIOGRAFÍA

seestrena.com. (2018, 5 marzo). El reivindicativo discurso de Frances McDormand al ganar el Oscar: "Tenéis que invitarnos a los despachos. SeEstrena. https://www.antena3.com/se- estrena/premios/oscar/reivindicativo-discurso-frances-mcdormand-ganar-oscar-teneis- que-invitarnos-despachos_201803055a9cdb510cf2d9edd377a25b.html

Communication and Journalism. https://annenberg.usc.edu/research/why-inclusion-rider-

Jean Page. Cinéfilos. https://cinefilosoficial.com/2021/08/11/la-nueva-lista-top-de-

honores. Métrica - Agencia Peruana de ComunicaciÃ3n. https://metrica.pe/blog/test-de- bechdel-7-increibles-peliculas-que-pasan-esta-prueba-con-honores/

mross@bayareanewsgroup.com. (2018, 4 marzo). Frances McDormand brings #MeToo moment the Oscars needed. The Mercury News. https://www.mercurynews.com/2018/03/04/frances- mcdormand-brings-the-metoo-moment-the-oscars-needed/

Fernández, L. (2018, 4 marzo). Los Oscar del #MeToo. ELMUNDO. https://www.elmundo.es/ yodona/lifestyle/2018/03/04/5a94079de5fdeac97d8b4604.html

nominada. Vogue. https://www.vogue.mx/estilo-de-vida/articulo/emerald-fennell-quien-

Martínez, B. (2021b, septiembre 26). 2021, el año de cine en el que las mujeres lo ganaron todo. elperiodico. https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20210926/2021-ano-mujeres- cineastas-ganadoras-oscar-cannes-venecia-san-sebastian-12116470

El sector de la animación deja de estar enfocado a los pequeños de la casa pero todavía no es paritario según el informe de la asociación MIA.

La asociación de mujeres en la animación (MIA) nace desde una posición abierta y multidisciplinar en 2018 y presenta su segundo informe sobre la brecha de género en el sector audiovisual junto a unas jornadas formativas en la comunidad de Madrid.

El informe de MIA como la fotografía del sector

Desde que la U-tad lanzara en 2012 en España el Grado Oficial de animación, el número de egresados no ha hecho más que crecer, al igual  que la popularidad y la calidad de la animación patria, siendo el elegido en un alto porcentaje por alumnado femenino.

Es el momento de saber si la animación durante estos años se ha ido dibujando con nombres femeninos. La aparición de los primeros informes revelan la dificultad de analizar las cifras.

La necesaria fotografía que realiza el estudio sobre la diversidad de géneros en la animación en nuestro país por parte de la asociación MIA en su segundo año, se encarga de detectar las debilidades y fortalezas de este sector, para poder establecer lineas de trabajo que encaminen la industria hacia una presencia más equitativa, dando visibilidad a las desigualdades y visibilizando el techo de cristal.

Un texto presentado en el pasado festival de San Sebastian que ha contado con las voces de Sara Cuenca Suárez, investigadora social con perspectiva de género, así como con Sara Álvarez Sarrat, profesora titular de la Universidad politècnica de València en condición de coordinadora arrojando algunas luces sobre este tema tan polémico.

Para la realización del análisis se han tenido en cuenta los títulos de crédito de las producciones de cortometrajes, largos y series, con la intención de sacar los perfiles profesionales, aquí ha radicado una de sus principales dificultades pues muchas veces los equipos en animación son muy amplios, los datos no están claros o no hay registro de ellos y eso hace que se encuentre en la sombra este colectivo, el de la animación ya sea un puesto ocupado por un hombre o una mujer. Además, las diferentes producciones, ya ni hablar cuando nos encontramos con coproducciones, otorgan diferentes nombres a puestos parecidos. Si bien los roles de productoras o directoras están claros, es complicado categorizar a alguien en arte o laye art, pues pueden tener tareas diferentes según la producción.

El estudio se apoya en la categorización de puestos recogidos en la Ley de la Igualdad de 2007 por el ministerio de Educación, en la que dependiendo de unos porcentajes se considera que un área de trabajo esta feminidad o masculinizada, moviéndonos en parámetros de entre un 20% o 40% según la presencia.

“Este informe contribuye a dar visibilidad a las desigualdades de género, como es el caso de los porcentajes de representación de la mujer en puestos de liderazgo o el planteamiento de roles estereotipados en los contenidos de las producciones de animación producidas en España.”, en palabras de Myriam Ballesteros Presidenta de la Asociación MIA, Mujeres en la Industria de la Animación, “visibilizar el trabajo de las mujeres, porque lo que creemos es que el problema que tenemos es que no nos sabemos vender; y parece que no hay muchas mujeres trabajando en la animación, y no es cierto. Somos muchas. Cambiar el papel que ocupamos dentro de la animación es una de nuestras misiones”.

España empezó a despuntar  en el sector de la animación a partir de 2012 gracias a “Las aventuras de Tadeo Jones:”

Aunque no es la industria más explotada España se encuentra entre las mayores potencias en el mundo de la animación, siendo la segunda a nivel europeo. No hay una fecha exacta sobre el nacimiento de la animación en nuestro país pero se considera fecha oficial 1915 con el trabajo de Alfred Fontanals en el cortometraje “El Apache de Londres”.

Si bien no es hasta los años 80 cuando llegamos a la edad dorada de la animación gracias a las series de “D’Artacán y los tres mosqueteros”, "La vuelta al mundo de Willy Fog” o “David el Gnomo”, obras de BRB Internacional que dieron paso a la animación en 3D donde el reconocimiento mundial llegó gracias a la serie “Pocoyo” de la productora Zinkia Entertainment, siendo emitida en más de 150 países y ganando galardones varios en el Festival de cine de Annecy, que son los Oscars de la animación.

Pero no fue hasta la llegada a las pantallas en 2012 de “Las aventuras de Tadeo Jones” de Enrique Gato con producción de Telecinco Cinema que la animación española no empezó a tener una consideración de cine “adulto”.

La preselección de la cinta “Buñuel en el laberinto de las tortugas” de Salvador Simó entre las tres candidatas para representar a España en la carrera de las nominaciones en los Oscars de 2018 denotaba un cambio sobre como eran percibidas las películas de animación, dejando atrás la sensación de películas para niños y acrecentando el reconocimiento en otros países. El estudio valenciano Hampa Studio, junto a Sygnatia Glow y Submarine se encargan de la coproducción de esta cinta. Álex Cervantes, CEO y fundador de Hampa Studio conoce bien las dificultades de una compañía local y el competir incluso en ocaciones con producto nacional como fue en el caso de “Klaus" en los Goya que tenía detrás al gigante de Netflix, así lo afirmaba: “Competíamos con Klaus, una película financiada por Netflix, con mucho mayor presupuesto que nosotros, muy bien hecha y con mucho talento, que además estaba nominada a los Oscars”.

Nos acercamos por talento y proximidad a Hampa Studios, compañía de animación valenciana que desde su fundación se ha interesado y ha puesto de manifiesto la fuga de talentos y la discriminación por géneros, incluida la brecha salarial que eso supone y el techo de cristal. 

Álex Cervantes pone el foco en su experiencia desde Hampa Studio donde afirma que jamás ha habido discriminación salarial, dentro de un sector ya de por si precario como es el audiovisual, pero también afirma que dentro de su estudio tienen los sueldos estipulados según convenio y puesto a ocupar: “Junior, medium, senior, supervisor, director, Master Jedi y Master del Universo, y el montante varía en función del departamento y sobre todo del proyecto.”, el CEO bromea ante cosas de parecen obvias en cuestiones salariales. En cuanto a paridad comenta que en el momento de hacer “recruiting” siempre miran la experiencia, el talento y la actitud, pero que no lo hacen por razón de género y que en los puestos directivos siempre han habido mujeres. No es algo que hagan por imposición, si no que el talento está ahí y es evidente.

La animación en España es una industria que florece pero aún necesita un empujón en paridad

Paralelamente, y al otro lado del charco encontramos a Nathalie Martínez que fue la jefa de producción de la divertida película de animación “Animals Crackers”. Una película de germen americano pero producción completamente valenciana, que cuenta la historia de una familia que se convierte en animales después de comer unas galletitas y acaban en un circo. Natalie cuenta sobre la producción que se enfrentó a jornadas maratonianas en España, unidas a las reuniones de madrugada de Los Ángeles ,“Ser la única mujer en el quinteto de productores y la única española, no fue tarea fácil. Recuerdo llegar a las primeras reuniones de negocios en Los Ángeles y sentarme en el rincón menos visible de la mesa para escuchar y comprender cómo pensaban los productores e inversores americanos. Solía ser la única mujer de la mesa o al menos la única con mi responsabilidad.Pero poco a poco fui aprendiendo y encontrándome cómoda y acabé gestionando ambos equipos, a un lado y al otro del océano”.

La ahora CEO y fundadora de Wise Blue Studios, como muchas mujeres sentía el síndrome del impostor. Miembro también de la Asociación Mia confirma los datos del informe presentado donde queda mucho camino por recorrer para la igualdad no solo en el sector de la animación, si no en el del propio audiovisual.

Aunque el propio informe de la Asociación MIA resalta que si bien es cierto que el interés en las enseñanzas propias del arte y la animación el porcentaje es más elevado, como en otros sectores esto no acaba de materializarse en puestos directivos y de responsabilidad, debido en parte al estigma de la mujer como cuidadora en una etapa crucial de su vida en la de su vida en la que debe decidir entre su vida profesional o personal de una forma mucho más evidente que los homólogos masculinos.

“Ser la única mujer en el quinteto de productores y la única española, no fue tarea fácil. Recuerdo llegar a las primeras reuniones de negocios en Los Ángeles y sentarme en el rincón menos visible “Nathalie Martínez, productora de Animals Crackers

La falta de datos en este sentido tampoco ayudan a encauzar futuros informes sobre la posición del sector que indudablemente son necesarios para encontrar una mejora y una igualdad real.

María Abad.

BIBLIOGRAFÍA

Informe:

https://animacionesmia.com/wp-content/uploads/2021/09/INFORME_MIA_2021.pdf? fbclid=IwAR1-uP6Mf_qmyZxIv7ohGQ_kqLQv3IWIa7b6s04kS0RW495gKVq8RfC33pM

https://animacionesmia.com/wp-content/uploads/2020/10/INFORME_MIA_2020.pdf

Digital, L. G. (2021, 28 octubre). Informe MIA 2021: desigualdad y techo de cristal en el sector de la animación. La giganta digital. http://lagigantadigital.es/informe-mia-2021-desigualdad- y-techo-de-cristal-en-el-sector-de-la-animacion/? fbclid=IwAR0gBHPLecpa17W5k5dcCkpwqlC_5dCUE5YubW2gyjhQ9Mk3OgZvUXctE kw

Premios quirino. (s. f.). Premios Quirino. https://premiosquirino.org/programacion/? fbclid=IwAR2ZQRhDNDpWj-V223jyUCtWVwCWwBKrsSrkhAN3jd9UEzoAUw- LeUSJQco

ANImate: seminario para impulsar a la mujer en la animación. (2021, 8 octubre). Asociación MIA. https://cimamujerescineastas.es/ani/? fbclid=IwAR08YBafy1fPxr0X6tKlWMai67h_lTQThxaT0t4epqAOwR7o5SvPKKerp4s

Cortés, J. (2018, 2 diciembre). Reportaje sobre la Animación en España. Notodoanimacion.es | noticias, recursos, tutoriales y empleo para Artistas Digitales. https:// www.notodoanimacion.es/reportaje-sobre-la-animacion-en-espana/

Tsanis, M. (2019, 22 agosto). La animación española, un sector en auge y reconocido internacionalmente. RTVE.es. https://www.rtve.es/noticias/20190822/animacion- espanola-sector-auge-reconocido-internacionalmente/1977488.shtml

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Cervantes, A. (2018, 13 agosto). ¿Existe discriminación sexual en el sector de la animación? Hampa Animation Studio. https://hampastudio.com/es/existe-discriminacion-sexual-en-el- sector-de-la-animacion/

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laSexta.com. (2018, 9 julio). El cine de animación cumple 100 años en España, 100 años plantando cara a Hollywood: "No hay ni una pelíc. LaSexta. https://www.lasexta.com/noticias/ cultura/se-cumplen-100-anos-de-animacion-en-espana-donde-lo-mejor-esta-por- dibujar_20161030581649040cf24962cc0e33f3.html

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DevÍS, G. (2019, 27 agosto). Hampa Studio, los valencianos que pueden llegar a los Oscar de la mano de Buñuel. Cultur Plaza. https://valenciaplaza.com/hampa-studio-los-valencianos- que-pueden-llegar-a-los-oscar-de-la-mano-de-bunuel

El cantante de Sant Feliu de Llobregat, Joan Dausà presenta su nuevo disco “Ho tenim tot” actuando por primera vez en su carrera en el espacio multidisciplinar de La Rambleta de Valencia.

Joan Dausà llega con su banda a La Rambleta el 3 de diciembre para presentar su nuevo disco “Ho tenim tot”. Un trabajo que se publicó el pasado 6 de noviembre y con el que ha conseguido entrar en el top 10 de los más vendidos en España. Una gira que empezaba en el palacio de la música de Barcelona y le llevará por una veintena de ciudades del territorio español.

Las entradas casi agotadas y los nervios a flor de piel. Casi tantos nervios como los del cantautor catalán al enfrentarse por primera vez con el público de una ciudad en la que nunca había estado. Casi tantos nervios como los que espectadores que le veíamos por primera vez en directo, más si cabe por ser el primer concierto en dos años al que asistíamos. Nerviosos en un teatro que cumplía todas las medidas de seguridad, con asientos asignados y mascarillas correctamente puestas en todo momento. Sin la posibilidad de tomar algo o bailar de pie como hacíamos en el pasado. La nueva normalidad se llama.

Joan Dausà vuelve a los escenarios tras la gira “Ara son gegants” que supuso un gran paso en su carrera y el reconocimiento masivo, pues las entradas de sus conciertos se agotan días después de ponerse a la venta. El cantautor que siempre ha estado ligado al mundo de la actuación desde que debutara siendo un niño en el club super 3, ha compaginado las tareas administrativas como contable en la empresa de su padre con la de cantante con su grupo “Joan Dausà i els tipus d’interès” en un divertido juego de palabras, pero no fue hasta 2012 cuando el éxito le llegó por sorpresa con el reconocimiento de la banda sonora original de la película “Barcelona Nit d’estiu”.

Su frescura y desenfado se nota en sus directos pero también en sus redes sociales , interactúa abiertamente con sus fans de Instagram lo que incluyó dar un concierto en la ducha durante los meses de la cuarentena que fue seguido por más de 30.000 personas.

Con el titulo de “Ho tenim tot” vuelve a los escenarios y a las emisoras de radio uno de los cantautores catalanes más emblemáticos y queridos por el público. Tras tres años de silencio musical, Dausà vuelve con fuerza con un disco cargado de optimismo y vitalidad pero muy intimista. Letras cargadas de sentimientos en el que entrelaza canciones en catalán y castellano.

Unas canciones, las de su último disco que intercala en el directo con sus éxitos más conocidos. Un LP plagado de letras influenciadas por lo vivido durante la pandemia en las que destaca la que le da título al trabajo: “Ho tenim tot”, que nos habla de no abandonar los sueños que nos hacen felices, “La vida és mes que això” donde reflexiona sobre lo que somos cada uno y como nos desconectamos de la realidad o la canción dedicada a su hija Valentina, cuya pintura también decora la portada del disco y es un abrazo a no dejar de lado nunca nuestra parte más infantil titulada “Pina”.

No faltaron los grandes éxitos románticos del cantante como “Jo Mai Mai” , que supone un canto a esas noches con amigos en la juventud y a las segundas oportunidades.
Tampoco faltaron sus canciones emblema más recientes como “Otra forma de vivir”, el anuncio que Dausà creó para Estrella Damm el verano pasado, y que apela a la ecología y conservación del planeta.

Si el hecho de realizar un concierto en un teatro puede parecer que estará desprovisto de garra y el ambiente podría decaer por las restricciones de la pandemia no fue para nada el caso, pues el tramo final del espectáculo se convirtió en una autentica fiesta cuando sus canciones más potentes y reconocidas entraron en escena. Interactuado con el público en todo momento consigue poner en pie a la platea con “Tot anirà Bé”, la canción que fue un himno durante los meses más duros del confinamiento pues nos recuerda que al final el “corazón nos dice que seguro que todo estará

En pie y emocionados los asistentes le despiden con “La Gran Eufòria”, de nuevo una canción de letra positiva, emotiva, cargada de buenas intenciones.

El fenómeno Dausà llegó y triunfo, emocionando al público con un espectáculo musical de casi dos horas que tocaba el alma.